Musicologie.org 2007
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Actualités musicales
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Le « Faust » du chorégraphe Méphisto, Faust et Marguerite, l'inusable trio tragique s'offre une nouvelle jeunesse sous la direction du chorégraphe Jean-Christophe Maillot qui crée pour les Ballets de Monte-Carlo une oeuvre épurée, d'une grande puissance visuelle. « Quand tu es prêt, on monte Faust, mon ballet fétiche » , écrivait à Jean-Christophe Maillot le chorégraphe Maurice Béjart dont les versions dansées du texte de Goethe ont fait date. Quatorze ans après son arrivée à la tête des Ballets de Monte-Carlo, Jean-Christophe Maillot était prêt, mais le maître s'en est allé. Le « Faust » présenté jusqu'à vendredi à Monaco lui est dédié. Pour Maillot, 47 ans, nourri aux grands ballets symphoniques de Béjart ou Neumeier, s'attaquer à ce genre « qui n'est plus tellement au goût du jour » ne relevait pas de l'évidence: il avait d'abord souhaité monter Faust sur une musique originale commandée à un compositeur contemporain. Le projet n'ayant pu aboutir, le chorégraphe a dû rechercher une autre partition. Jean-Christophe Maillot aurait pu opter pour la musique de l'opéra de Gounod, dont il a assuré une mise en scène en mars au théâtre de Wiesbaden (Allemagne). Il a finalement préféré la « Faust-symphonie » de Liszt, oeuvre méconnue du compositeur allemand et « jamais utilisée, je crois, en ballet », explique le chorégraphe à l'AFP. « La partition de Liszt me permettait de laisser de côté l'aspect narratif de l'oeuvre de Goethe et de la vivre comme un portait psychologique des trois personnages que sont Faust, Marguerite et Méphisto. C'est cet aspect-là qui m'intéressait », décrit-il. La musique de Liszt consacre un mouvement à chaque personnage, le ballet de Maillot fait de même. Les questionnements et les tentations de Faust s'exposent dans une première partie au rythme échevelé où s'affrontent les « blancs », les « noirs » et les « rouges » (âmes de Marguerite, de Faust ou du diable). Le deuxième mouvement offre un « pas de quatre » plus intimiste entre les personnages principaux, dans l'univers frais et innocent de Marguerite. Entre enfer et paradis, fête et orgie, la troisième partie visite le monde de Méphisto dans lequel Faust choisit de se perdre, ou de se retrouver. Innovant par rapport au texte de Goethe, le chorégraphe utilise la figure de la mort, magnifiquement incarnée par Bernice Coppieters, comme fil rouge de ce triptyque qu'elle conduit vers l'inéluctable. D'une oeuvre au symbolisme dense, souligné par la musique très expressive de Liszt, Jean-Christophe Maillot tire un ballet épuré, tout en faisant défiler sur scène les 45 danseurs de sa troupe. Sa chorégraphie, harmonieux enchaînement de pas traditionnels et de figures créatives, est mise en valeur par le dépouillement de la mise en scène: pas plus d'un ou deux objets par scène -lit, fauteuil, croix, cage, échelle, arbre, au format imposant-, costumes aux contours très nets qui dévoilent le moindre frissonnement du corps et appliquent le strict code couleur noir, rouge et blanc qui règle l'ensemble du ballet, des lumières au décor. Après sa présentation à Monaco, Faust devrait tourner en Russie, en Espagne, en Italie et en France. Nam trâm, le violoncelle vietnamien
La particularité de l'orchestre du Théâtre de musique traditionnelle Bông Sen, de Hô Chi Minh-Ville, réside dans le nam trâm, un violoncelle « à la vietnamienne ». Contrairement à de nombreux instruments traditionnels tels que flûte traversière, tambour, tambourin, monocorde, cithare à 16 cordes, luth à 2 cordes... le nam trâm se distingue par sa taille importante, celle d'un violoncelle. Il s'agit en effet d'une « variété » de cet instrument, avec une grande caisse presque rectangulaire. « Le nam trâm possède les qualités d'un violoncelle en ce qui concerne l'intensité et la fréquence du son, permettant une instrumentation parfaite dans un orchestre traditionnel. Sans oublier sa résonance basse qui accompagne à merveille les mélodies folkloriques », lance avec fierté le créateur du nam trâm, Nguyên Hoàng Kim Quang, un violoncelliste sorti du Conservatoire de Hanoi. Mais pourquoi cette création ? Son explication est toute simple : « Violoncelliste, je fais partie intégrante de l'orchestre Bông Sen depuis 1976. C'était pourtant, pour nous, une cohabitation à contrecoeur entre les instruments contemporains et traditionnels. Harcelé par cette idée, j'ai nourri l'ambition de créer un instrument à l'instar d'un violoncelle, susceptible de parfaire l'instrumentation de notre orchestre qui manquait jusque là de ton grave ». En 2003, l'ambition de Nguyên Hoàng Kim Quang a reçu le soutien du musicien Thê Viên qui travaillait au Centre culturel de Hô Chi Minh-Ville. Après de longues recherches et discussions, les 2 instrumentistes sont parvenus à l'idée de combiner 2 instruments - le day (luth avec une caisse rectangulaire) et le tu dai - pour donner naissance à un troisième, le nam trâm. La conception initiale achevée, MM. Quang et Viên sont partis pour Hanoi où ils sont allés frapper la porte des luthiers expérimentés. Avec la participation dévouée de ces derniers, le premier modèle de nam trâm a enfin pris forme, suscitant une attente soucieuse de ses créateurs. Essais, discussions, modifications, ajustements... À la troisième mouture, en octobre 2004, le violoncelle vietnamien a officiellement vu le jour. Son auteur a reçu la mention excellente du Conseil scientifique comprenant, entre autres, les professeurs en musique Ca Lê Thuân et Tô Vu, le musicien Vu Thanh, les compositeurs Kiêu Tân, Nguyên Thanh Tân et Vu Van Tuyên. Ayant l'apparence d'un instrument traditionnel, il possède une grande caisse rectangulaire aux angles arrondis, un long manche avec une fleur de lotus à son extrémité et 4 cordes accordées par quintes (do, sol, ré, la) qui, à l'instar du violoncelle, sont soit frottées avec un archet, soit pincées. Un mois seulement après sa naissance, le nam trâm a été présenté avec fierté, en novembre 2004, aux spectateurs suédois lors de la fête « Les journées vietnamiennes à Stockholm » à laquelle le théâtre Bông Sen a eu l'honneur de participer. Le succès se confirme alors, et la direction du théâtre a décidé de faire fabriquer 3 nam trâm de plus pour compléter son orchestre traditionnel. Quant à son créateur, Nguyên Hoàng Kim Quang, il parle de son oeuvre sans prétentions : « Cet instrument sera perfectionné au fil du temps en ce qui concerne ses qualités musicales. Quoi qu'il en soit, il nous permet de nous débarrasser de notre complexe d'infériorité de devoir emprunter un instrument occidental pour notre orchestre oriental ». (Long Son/CVN, 30/12/2007)
Difficultés financières L'un des rares grands orchestres de jazz en Europe, le Vienna Art Ochestra de Mathias Rüegg, connaît de sérieuses difficultés financières à la suite du non-renouvellement en 2008 du contrat de parrainage de la Bank Austria-Credit Anstalt (BA-CA), annonce lundi le quotidien viennois Standard. La subvention de la banque représentait 120.000 euros dans l'année et, en conséquence, « je ne sais pas comment nous allons pouvoir continuer en 2008 », a déclaré au Standard Mathias Rüegg. « Si rien ne se fait, j'arrêterais, la décision tombera en mars », a-t-il ajouté. Pour compenser en partie la défection de la banque, Mathias Rüegg espère que l'Etat fédéral portera sa subvention de 55.000 euros aujourd'hui au niveau de celle de la ville de Vienne, qui est de 100.000 euros.
Alpha Blondy pour la Alpha Blondy, la star ivoirienne du reggae, a donné dimanche soir à Azzerety (près d'Abidjan) un concert géant pour la « réconciliation et la paix » en Côte d'Ivoire, en présence du président Laurent Gbagbo, a constaté un journaliste de l'AFP. C'est le premier concert donné par l'artiste depuis le déclenchement de la crise politico-militaire en Côte d'Ivoire en septembre 2002. Il s'était alors engagé à ne pas donner de spectacle en Côte d'Ivoire tant que le pays serait en situation de belligérance. Baptisé Festival d'Abidjan pour la réconciliation, réunification et reconstruction (FESTARRR), le concert a débuté avec plusieurs heures de retard à l'espace Jérusalem d'Azzurety, un quartier de la ville balnéaire de Grand-Bassam, ancienne capitale coloniale ivoirienne. Près d'un millier de policiers et de gendarmes ont assuré la sécurité de ce spectacle de 24 heures organisé sur 20 hectares de terrain sablonneux, entre océan et lagune. Habillé d'un ensemble blue-jean, surmonté de dreadlocks, Alpha Blondy a ouvert le bal en chantant l'un de ses titres phare « Jérusalem » devant plus de 5.000 fans parmi lesquels figuraient M. Gbagbo ainsi que son épouse Simone et le président de l'assemblée nationale Mamadou Koulibaly. L'artiste, après six tours de chants, a demandé à son « illustre hôte », le président Gbagbo, de prendre la parole. « Je suis venu vous dire que cette année 2007 a été bonne, elle nous a permis de stabiliser la guerre civile et mettre fin au conflit. Il faut qu'en 2008 on aille aux élections », a lancé M. Gbagbo, applaudi par le public. « Merci le grand frère Laurent Gbagbo », a poursuivi Alpha Blondy, avant de commenter plusieurs titres de son nouvel album « Jah Victory ». « Ne tirez pas sur l'ambulance. La Côte d'Ivoire a besoin de tous ses enfants pour aboutir à une paix durable et définitive », a expliqué le chanteur, nommé en 2005 « messager pour la paix de l'ONU ». Depuis la tentative de coup d'Etat des Forces nouvelles (FN), la Côte d'Ivoire est coupée en deux, avec un Nord tenu par la rébellion et un Sud contrôlé par les troupes loyalistes. Les deux parties ont signé le 4 mars un accord de paix à Ouagadougou.
Le concert du Nouvel An 2009 à Vienne, Le chef d'orchestre israélo-argentin Daniel Barenboïm dirigera pour la première fois le 1er janvier 2009 le concert classique le plus populaire et le plus médiatisé au monde, celui du Nouvel An de l'Orchestre philharmonique de Vienne, annoncent lundi plusieurs quotidiens autrichiens. Agé de 65 ans, Daniel Barenboim sera le 13e chef d'orchestre à tenir la baguette pour ce concert, consacré à la valse viennoise et dont la tradition remonte à 1939, dans la magnifique ancienne salle du Musikverein, les précieux sésames des billets s'arrachant dans le monde entier un an à l'avance. Il succèdera à Georges Prêtre, âgé de 83 ans, premier chef d'orchestre français à avoir cet honneur le 1er janvier 2008. Depuis la création du Philharmonique en 1842, les musiciens gèrent eux-mêmes leur orchestre et ce sont donc eux qui choisissent le chef du Neujahrskonzert. Daniel Barenboïm, directeur musical du plus prestigieux opéra berlinois, le Staatsoper, a également fondé et anime un orchestre israélo-arabe de jeunes, le West-Eastern Divan Orchestra, symbole d'une future réconciliation entre Israéliens et Palestiniens. Le concert du Nouvel An de la prestigieuse phalange viennoise est retransmis en direct à la télévision (10H15 GMT) dans 54 pays, de l'Albanie à l'Uruguay en passant par l'Australie, la Chine, le Japon, la Russie, la Bolivie ou les Etats-Unis.
Il y a 100 ans naissait Olivier Messiaen Le monde musical va fêter tout au long de 2008 le centenaire de la naissance d'Olivier Messiaen, le pédagogue, l'organiste, le croyant féru d'ornithologie mais surtout le compositeur qui, plus de 15 ans après sa mort, est toujours un contemporain et déjà un classique. L'année « Messiaen 2008 » devrait fédérer 700 concerts dans 27 pays et 147 villes, en France bien sûr (175 concerts prévus), mais aussi en Grande-Bretagne, en Allemagne, aux Pays-Bas, aux Etats-Unis, en Suède, en Chine et au Japon. Signe de l'engouement suscité par ce compositeur majeur du XXe siècle, les organisateurs n'attendront pas le jour anniversaire — le 10 décembre 1908 à Avignon — pour lancer les célébrations: le « concert d'inauguration » du centenaire aura lieu lundi soir à Paris, au Théâtre des Bouffes du nord. « Olivier Messiaen est devenu un classique dans beaucoup de pays », explique le délégué général de l'association Messiaen 2008, Claude Samuel. « Il a joué un grand rôle dans la modernité musicale et en même temps s'est situé au-delà des modes avec une oeuvre abordable par un large public », fait-il valoir. Si le public de Messiaen est « considérable », il « peut encore être élargi », estime l'organisateur. L'association Messiaen 2008 a donc enrichi son programme commémoratif d'un important volet pédagogique, avec une manifestation-phare: les conservatoires ont été invités à faire interpréter simultanément, le 10 décembre, le « Quatuor pour la fin du Temps », composé en captivité en 1940. Les célébrations mettront en lumière l'héritage reçu (Mozart, Berlioz, Debussy...) par Messiaen comme ses nombreux héritiers. Ce théoricien fut en effet un pédagogue recherché, notamment au Conservatoire de Paris, où un grand nombre de ceux qui feront l'avant-garde de la seconde moitié du XXe siècle (Pierre Boulez, Pierre Henry, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis...) ont suivi son enseignement. Le piano — l'instrument de sa seconde épouse et de sa première interprète, Yvonne Loriod — tient une place essentielle dans le catalogue du compositeur, riche de plus de 80 pièces. Son nom restera aussi associé à l'orgue, qu'il a pratiqué pendant six décennies, jusqu'à sa mort en 1992, à l'église de la Trinité à Paris, où un grand cycle de concerts est programmé cette année. Messiaen était organiste liturgique en catholique convaincu. Sa foi inébranlable se lit dans le titre voire le propos de ses oeuvres, comme dans « Et exspecto resurrectionem mortuorum » — jouée 28 fois dans le monde en 2008 — et dans son unique opéra, l'imposant « Saint François d'Assise » (1983), représenté à Varsovie et Amsterdam cette saison. Le maître confessait une passion singulière pour l'ornithologie, convaincu que « les oiseaux sont les plus grands musiciens qui existent sur notre planète ». Les cartes de visite de l'auteur de la « Turangalîla-Symphonie » (60 interprétations en 2008) le présentaient d'ailleurs comme « ornithologue et rythmicien », une façon de dire aussi son goût du rythme (d'inspiration hindoue notamment), associé à celui de la couleur. Cette « musique en vitrail », selon les mots de Messiaen lui-même, possède une expressivité et un pouvoir de séduction immédiats. Mais l'homme, modeste, garde sa part de secret: un mystère que ne lèvera pas pleinement l'année « Messiaen 2008 », en dépit de l'importance des hommages (festivals à Londres et en Suède, « automne » à Montréal, conférence internationale à Birmingham...) qui lui seront rendus, sans compter les parutions de disques et de livres.
Ouverture de l'année Messiaen, Les célébrations du centenaire de la naissance d'Olivier Messiaen (1908-1992) se sont ouvertes lundi soir à Paris lors d'une soirée au programme particulièrement éclectique, qui a mis en lumière les influences mais aussi le legs de ce compositeur majeur du XXe siècle. En présence de la veuve et muse du créateur, la pianiste Yvonne Loriod (84 ans le 20 janvier), le Théâtre des Bouffes du Nord a accueilli le premier des 700 concerts programmés dans 27 pays dans le cadre de « Messiaen 2008 », hommage d'une ampleur exceptionnelle pour un compositeur de musique contemporaine. Pas de « Turangalîla-Symphonie » dans ce cadre relativement intime (530 places), encore moins de « Saint François d'Assise », l'imposant opéra de Messiaen, mais une sélection d'oeuvres de musique de chambre de sa main ou en résonance avec son univers. Le concert a débuté, avec deux voix de l'Ensemble Gilles Binchois, par une « Messe de l'Epiphanie » médiévale utilisant ce plain-chant dont Messiaen le catholique disait qu'il était probablement la « seule musique vraiment religieuse », parce que « détachée de tout effet extérieur ». Puis la comédienne Marie-Christine Barrault a dit des poèmes de Cécile Sauvage, mère de Messiaen et « poétesse de la maternité ». Le compositeur a lui-même écrit les textes de ses « Poèmes pour Mi », recueil de 1936 où il affirme déjà sa quête rythmique et son goût des couleurs, et dont des extraits ont été interprétés par la soprano japonaise Yumi Nara, accompagnée par le pianiste Roger Muraro. Muraro, peut-être le meilleur interprète des « Vingt regards sur l'Enfant-Jésus » depuis Yvonne Loriod, aurait sans doute joué avec succès un extrait de ce chef-d'oeuvre de la littérature pianistique. Mais c'est la Chinoise Le Liu, récent Grand prix du Concours Olivier Messiaen (piano contemporain), qui s'en est chargée, en plus de trois « Préludes » de Debussy dont l'exigence excède son jeune talent (22 ans). La pianiste a aussi interprété « Rain Tree Sketch II » de Toru Takemitsu, compositeur japonais passionné par les couleurs françaises, celles de Debussy et Messiaen justement. La soirée comportait en outre la création mondiale de « Duo vivo » du Vietnamien Nguyen-Thien Dao, ancien élève de Messiaen. Le disciple s'est sans doute inspiré du maître pour nourrir de lyrisme, de poésie et d'énergie un « Duo vivo » certes démonstratif dans son catalogue de sonorités (percussions frappées, frottées à l'archet ou à l'écho modifié par la bouche) mais joué avec beaucoup d'engagement par le Triloc Duo. Le concert s'est achevé sur les « Cinq Rechants », composés il y a soixante ans dans une langue insolite (inventée ou en français, mais surréaliste) et pour douze voix seules (ici des membres du Choeur de Radio France dirigés par Dominique My) installant un monde sonore inouï.
De la musique du Monde, Pour la quatrième année consécutive, le musée gallo-romain de Saint-Romain-en-Gal invite le public à suivre un cycle de concerts de musique du monde, sur les traces des cultures du bassin méditerranéen. Le musée reçoit en effet,
HUSSEIN EL-BACHARI Des sources de la rivière éthiopienne Etbara jusqu'au sud de l'Égypte, les Bêcharis vivent leur aventure nomade. Comme les Amarars et les Beni Amers du nord de l'Erythrée, ces nomades et chameliers sont reliés à l'ancien royaume de Kush qui, situé autrefois dans l'ancienne Nubie, est considéré comme le premier « royaume noir » (IXe siècle avant J.-C.). Hussein al-Bechari, aujourd'hui sédentarisé, vit dans un petit quartier populaire d'Assouan. Au même titre que les chanteurs nubiens d'Égypte ou du Soudan, il s'accompagne aussi bien à la lyre ancienne tambourah qu'au luth oud, qui, à travers le commerce arabe, s'est imposé dans ces régions. La lyre tambourah est de la même famille que la baganna d'Éthiopie, elle-même héritière, selon la légende, de la harpe dont jouait voilà 3000 ans, le futur roi David à son beau-père Saul, premier roi des Hébreux. Décrite autrefois par Homère lors de son voyage en Égypte, elle possédait une carapace en tortue comme caisse de résonance au même titre que la kithara (ou pectus) inventée par Hermès. Aujourd'hui, le poète africain a remplacé la carapace de tortue par une assiette métallique pour célébrer une nature de sable et d'eau, dans cette région située entre la mer Rouge et Assouan. La couleur ocre de la terre des montagnes contraste avec l'eau bleue et limpide du Nil à l'image de cet art populaire où, malgré la rudesse de la vie tribale, la voix du chanteur porte en elle une tendresse paisible et intimiste. À 20h : conférence de C. Girbal spécialiste de la lyre — Tout public à partir de 7 ans — Dans l’auditorium du musée - Pour tous publics – Durée : 1h à 1h30 — Tarifs : 6 € (Plein Tarif) - 4 € (moins de 18 ans) — Renseignements et réservation conseillée au 04 74 53 74 02 — http://www.musees-gallo-romains.com
L'orchestre de Basse-Normandie L'orchestre classique de Basse-Normandie entame à partir de jeudi une tournée qui passera par Paris pour présenter une création artistique originale, intitulée « The big note », autour de la musique de la rock star américaine Franck Zappa. L'orchestre, composé de 18 musiciens professionnels (12 cordes, quintette à vents et piano), a fait appel à un guitariste, un bassiste, un percussionniste, un batteur et un claviériste, afin d'interpréter une partie du gigantesque répertoire de la star décédée en 1993. Un défi relevé grâce au compositeur Jean-Luc Rimey-Meille, qui après avoir choisi les morceaux, les a retranscrits à l'oreille avant d'écrire les partitions telles qu'entendues, puis de les orchestrer. Afin de donner au public un éclairage sur ce que fut la vie de Franck Zappa, mort d'un cancer à 52 ans, le concert dirigé par le chef Dominique Debart se double du jeu minimaliste de deux comédiens en costumes qui lisent, telle une partition, un court texte écrit par l'écrivain et spécialiste de Franck Zappa, Pacôme Thiellement. « Il s'agit de donner un éclairage un peu particulier à l'axe que nous avons choisi, qui est de souligner le côté esthétique de Zappa, consistant en une transformation perpétuelle et un retravail systématique », a expliqué à l'AFP Emmanuelle Dormoy, administratrice générale de l'Ensemble. Franck Zappa, venu à la musique en écoutant le compositeur Edgard Varèse, a pendant une trentaine d'années exploré tous les styles de musique et toutes les époques, du rock au jazz et au reggae, en passant par le doo wop ou la musique contemporaine d'avant-garde. L'orchestre de Basse-Normandie se produira jeudi à Flers (Orne), mardi à Lisieux (Calvados), puis du 22 au 24 janvier à Paris, avant de revenir à Caen le 26. En juillet, l'Ensemble se produira au Festival « Jazz à Vienne » (Isère). Le Ballet du Bolchoï
s'installe Le Ballet du Théâtre Bolchoï a débuté samedi soir une résidence à l'Opéra de Paris riche de trois programmes plutôt rares voire inconnus du public français, dont « Le Corsaire » de Petipa dans une luxueuse production qui met en lumière l'excellence classique de la compagnie moscovite. Une centaine parmi les 223 danseurs du principal théâtre de Russie ont fait le voyage à Paris pour y donner, jusqu'au 22 janvier, 14 représentations au Palais Garnier, où le Bolchoï est venu régulièrement depuis un demi-siècle. Quatre soirées et une matinée sont consacrées au « Corsaire », ballet de trois heures 15 (deux entractes compris), trois actes, cinq tableaux et un épilogue, inspiré d'un poème de Byron mais aux racines très françaises. L'Opéra de Paris en a créé une version en 1856, sur une musique d'Adolphe Adam. Conservant cette exquise partition, complétée d'ajouts empruntés à d'autres compositeurs, c'est encore un Français, Marius Petipa, qui a signé à Saint-Pétersbourg, entre 1863 et 1899, quatre versions du « Corsaire ». Samedi soir, le public de Garnier a enfin pu découvrir dans son intégralité ce ballet qui ne figure pas au répertoire de l'Opéra de Paris alors qu'il vient de reprendre sa place, en juin dernier, parmi les richesses du Bolchoï. Son directeur artistique, Alexeï Ratmanski, a retrouvé à Saint-Pétersbourg les croquis des décors et les maquettes des costumes de la version de 1899. Il a redonné vie aux chorégraphies de Petipa et en a ajouté d'autres de son cru, guidé par le souci de proposer une esthétique fin XIXe siècle sans tomber dans la reconstitution. Le corsaire Conrad brûle d'amour pour la jeune Grecque Médora, également convoitée par le pacha Saïd, dans des décors très colorés figurant un Orient de pacotille délicieusement kitsch. La production ne ménage pas ses effets dans une scène de tempête impressionnante, qui menace d'emporter les deux amants dans des flots déchaînés. L'oeuvre, quoi qu'il en soit, vaut moins pour le drame et la pantomime que pour son invention chorégraphique. C'est là, dans des solos, pas de deux, trios ou ensembles déclinés à l'envi, que le Bolchoï montre l'étendue de ses talents, des solistes (Svetlana Zakharova, à la grâce infinie, Nikolaï Tsiskaridzé, très athlétique...) jusqu'au corps de ballet (« jardin » tout de tutus blancs vêtu, au bel ordonnancement classique). Outre « Le Corsaire » (jusqu'au 15 janvier), le Ballet du Bolchoï donnera (du 11 au 13) un programme mêlant « Jeu de cartes », chorégraphié par Alexeï Ratmanski, à la fameuse « scène des ombres » de « La Bayadère » d'après Petipa et à « La Dame de Pique » de Roland Petit, chorégraphe français très connu à Moscou. La tournée parisienne de la troupe russe s'achèvera avec quatre représentations (19-22 janvier) de « Spartacus », dans la version épique de Iouri Grigorovitch, créée en 1968.
Une violoniste diffuse La violoniste britannique Tasmin Little a annoncé sur son site internet qu'elle allait diffuser son prochain album gratuitement en ligne. A partir de la semaine prochaine, l'album « Naked Violin » (le violon nu) pourra être téléchargé depuis son site, une initiative visant à briser l'image élitiste de la musique classique, selon la violoniste citée mardi par le quotidien The Guardian. En octobre dernier, le groupe de rock anglais Radiohead avait fait sensation en proposant son dernier album au téléchargement sur son site, pour contourner les maisons de disques. Chaque acheteur était libre de payer ce qu'il souhaitait. Tasmin Little, connue des cercles de mélomanes, a pour sa part expliqué qu'elle voulait par ce geste toucher un auditoire plus large. « La musique classique, pour une raison ou une autre, est réputée pour aller de pair avec un certain niveau d'éducation, une certaine couleur de peau ou un certain lieu de résidence et j'en ai un peu marre de tout ça », a-t-elle confié. « »J'ai voulu lever le plus de barrières possible et voir si ça fait une différence ». Son prochain album, le premier depuis quatre ans, comprendra trois oeuvres: la Partita N.3 de Bach, une pièce du compositeur britannique Paul Patterson et la Sonate N.2 du compositeur belge Eugène Ysaye. Il sera téléchargeable à partir de lundi sur son site, http://www.tasminlittle.net |
Actualités musicales du 1er janvier 2007
Le pays ne compte aujourd'hui que 4 nam trâm, un violoncelle propre au
Vietnam. Apparu pour la première fois en octobre 2004 dans l'orchestre du
Théâtre de musique traditionnelle Bông Sen (fleur de lotus), le nam trâm a
même étonné les professionnels du fait de sa résonance très basse qui
s'accorde à merveille avec les mélodies folkloriques. Son créateur, Nguyên
Hoang Kim Quang, est un violoncelliste.
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